Il “sistema design” secondo Deyan Sudjic

Lo scopo del Design Museum è quello di offrire una piattaforma che possa avere più punti di vista. Il museo vuole dimostrare che il design non è solo per gli specialisti. Quindi, gli argomenti, il linguaggio e le tecniche di esposizione sono pensati per toccare più persone possibile. Sono sempre stato interessato al modello del National Theatre di Londra, un edificio degli anni Settanta che ha al centro un grande spazio sociale con caffetteria, ristorante e aree comuni. Ha tre teatri diversi, ognuno progettato con un approccio diverso. Per me i musei deve fare qualcosa di simile: in modo che si possa vedere una mostra per capire la storia del design, ma allo stesso tempo esposizioni di realtà nuove e sperimentali, o ancora approfondimenti su figure mitiche come Le Corbusier o Charlotte Perriand. Il design è composto da tribù diverse: le persone interessate al computer design e al design digitale non sono necessariamente le stesse che guardano ai classici di Charles Eames o Gio Ponti. Dar forma a un buon programma significa far incrociare queste persone e fare in modo che possano approfondire anche qualcosa di inaspettato.

Ho avuto la fortuna di lavorare a tantissime mostre: a Istanbul, a Seul, a Copenaghen… è stato un vero privilegio. Mi è piaciuto molto fare la Biennale Architettura a Venezia nel 2002. La abbiamo intitolata “Next” perché era una disamina di progetti reali che analizzava “in concreto, l’ambiente che vivremo nel prossimo futuro”. Un altro progetto a cui sono legato è stata la mia ultima mostra al Design Museum, dedicata a Stanley Kubrick. Abbiamo potuto studiare come realizzava fisicamente i suoi film (lavorava ancora in analogico), come creava i suoi mondi, la sua fascinazione per l’architettura e il design… È stata una mostra che ha permesso a un vasto pubblico di capire come viene realizzato un progetto, un aspetto che per me ha molta rilevanza per tutte le forme del design.

Spesso si parla di design come se fosse una cosa, un oggetto. In realtà il design è un metodo. È una sintesi che mette insieme più prospettive, ed è questo che lo rende interessante. Il design è riflesso di come si realizzano i progetti – nel senso più ampio del termine. Racconta chi li fa, chi li usa e come li usa. Per questo al Design Museum abbiamo provato a mostrare gli oggetti da tre prospettive: quella del Designer, quella del Maker e quella dell’User. Siamo in un’epoca in cui gli oggetti sono meno presenti rispetto a qualche decennio fa. Molti sono stati sostituiti da programmi o applicazioni. Eppure, le persone hanno ancora voglia di possedere oggetti in grando di portare con sé ricordi o riflettere la loro personalità. Ci troviamo in un momento paradossale, in cui abbiamo la sensazione che non dovremmo creare troppi nuovi oggetti, non dovremmo mai demolire un’architettura a meno che non ci siano delle ottime ragioni. Alcuni designer riescono a incarnare pienamente questo paradosso. Penso allo studio Formafantasma, che esplora il dark side della produzione industriale e le degenerazioni dei sistemi produttivi, ma che allo stesso tempo ha la capacità di realizzare anche arredi raffinati ed eleganti. Oggi nessuno è puro e tutti portiamo dentro la necessità di una riflessione critica e un desiderio di consumo.  

Ci vado quasi ogni anno dal 1977, quando era ancora in città, ed era ancora a settembre. È sempre stato un luogo essenziale in cui andare. Può essere estenuante. Può essere difficile capire cosa sia per chi lo visita per la prima volta. A volte sembra un mostro. A volte appare come rivelazione speciale. Per me è straordinario il fatto che è riuscito a rimanere attuale non essendo mai compiacente e capendo che il mondo intorno a noi sta cambiando. Quindi per rimanere rilevante deve cambiare anche il Salone. È interessante guardare a ciò che ha reso Milano un centro così importante per il design globale: sicuramente il fatto che in Brianza ci sia una concentrazione di produttori, e a Milano un folto gruppo di riviste e aziende legate al mondo della comunicazione. Dipende anche dal fatto che ci sono numerosi designer da tutto il mondo, e diverse scuole. Penso anche a quando credevamo che il Covid avrebbe reso obsoleta la concentrazione di così tante persone. Non è stato così: le persone hanno ancora bisogno di incontrarsi fisicamente. Ci sono ancora tanti interrogativi aperti e questioni da affrontare: certe volte anche il troppo successo può essere un problema, e un’affluenza eccessiva di persone essere un problema allo stesso modo di un’affluenza scarsa…

Tornare a parlare con una persona con cui hai lavorato per anni è molto interessante, perché rifletti su aspetti del suo lavoro a cui non avevi pensato prima. Le persone che non lo conoscono credono che John sia una specie di fanatico religioso, che crede nell’eliminazione di tutto ciò che riguarda una casa. È un assunto completamente sbagliato. John non è una persona che impone la sua visione di ciò che l’architettura dovrebbe essere. Ascolta e cerca di immaginare come sarà la vita negli spazi che disegna. Volevo quindi evidenziare questo aspetto. Inoltre, ha lavorato per clienti molto interessanti: da Calvin Klein a Bruce Chatwin a Ian Schrager. Ha lavorato con un altro maestro come Shiro Kuramata. Ha avuto una vita piena, ben vissuta e davvero interessante da documentare.